Crítica a la película “Tiempos modernos” de Charles Chaplin

Título original: Modern Times

Año: 1936

Duración: 89 min.

País: Estados Unidos

Director: Charles Chaplin

Guión: Charles Chaplin

Música: Charles Chaplin

Fotografía: Rollie Totheroh & Ira Morgan (B&W)

Reparto: Charles Chaplin, Paulette Goddard, Henry Bergman, Chester Conklin, Stanley Stanford, Hank Mann, Louis Natheaux, Allan Garcia

Productora: United Artists

Género: Comedia | Sátira. Comedia dramática. Drama social. Cine mudo. Película de culto

Aunque la película se estrenó en la década del 30, se puede ver cómo es una película visionaria, dado que contiene elementos que, en esa época, aún no se usaban (como las cámaras de circuito cerrado, el jefe dando órdenes a través de un portavoz, etc). En la actualidad, en muchas empresas se colocan cámaras de seguridad y la administración o gerencia lanza los avisos por medio de un micrófono.

Ante tanto avance tecnológico, la película también muestra la contraparte de los tiempos modernos: el desempleo y la pobreza extrema. De esta forma, se la ubica en la época de la revolución industrial, junto con las manifestaciones del pueblo y el comienzo del comunismo. Al final, no importa cuánta tecnología haya: llega un momento en que se desata la crisis y miles de fábricas se cierran, dejando a la calle a los trabajadores. Si lo situáramos en la actualidad, veríamos que muchos países desarrollados están en crisis económica y son muchos los que están sin empleo, eso sumando con la cantidad de marginales que están a nuestra vista pero que son invisibles para la sociedad.

Se acentúa el “avance tecnológico” con la incorporación del sonido en la película, aunque en gran parte es una película muda, tal como acostumbran a serlo las películas de Charles Chaplin. La historia se centra en dos personajes que, por razones del destino, se vieron en la necesidad de trabajar juntos para salir adelante. Chaplin representa a un joven empleado que trabajaba en una fábrica, pero el stress y los problemas en que se vio metido sin querer lo dejaron en la cárcel y desempleado. El otro personaje es una chica, quien su padre falleció y se ve en la obligación de robar para sobrevivir. Ambos viven juntos y, a pesar de los problemas en que se ven metidos a lo largo de la película, todo lo toman con risas y siguen adelante. Es lo que intenta transmitir las desventuras de ambos. Chaplin mismo le dice a la chica que no debe decaer, que piense con optimismo, que siga luchando con una sonrisa.

Joseph Kosut

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Nacido en Toledo (Ohio) en 1945. Estudia en Toledo (1965) y completa su formación en la School of Visual Arts de Nueva York. Pronto se convierte en importante líder del arte conceptual, llegando al rechazo absoluto de cualquier tipo de producción de obras, debido a su carácter ornamental. Sus ideas quedan recogidas en el ensayo Art after Philosophy (Studio international, 1969), en el que cita a Duchamp y sus “ready – mades” como verdaderos creadores de la revolución artística, en cuanto paso de la apariencia al concepto. Enuncia el principio de que una obra de arte es una tautología, llegando a expresar que “el arte es, de hecho, la definición del arte”. Aborda el tema artístico como un problema filosófico y lingüístico, lo que le acerca al Art and Language Group. Su trayectoria demuestra su conocimiento y afinidad con los métodos de investigación propuestos por los filósofos del lenguaje L. Wittgenstein y A. J. Ayer. La obra de 1969 Art after Philosophy es su principal manifiesto y el lugar donde desarrolla la base teórica de sus obras.

Obras 

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One and three chairs, 1965

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Four colours four words, 1966

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Art after Philosophy

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Joseph_Kosuth

Crítica a la película “La pasión de Juana de Arco” de Carl Deyer

Título original: La Passion de Jeanne d’Arc

Año: 1928

Duración: 110 min.

País: Francia

Director: Carl Theodor Dreyer

Guión: Carl Theodor Dreyer & Joseph Delteil

Música: Película muda

Fotografía: Rudolph Maté & Goestula Kottula (B&W)

Reparto: Renée Jeanne Falconetti, Eugene Silvain, Maurice Schutz, Michel Simon, Antonin Artaud, André Berley

Productora: Societé generale de films

Género: Drama | Histórico. Cine mudo. Siglo XV. Religión. Película de culto

Esta película, estrenada en 1928, está basada en unos documentos que revelan el juicio contra la famosa Juana de Arco, lo cual la aleja de aquella figura de guerrera el cual siempre la han caracterizado por siglos. Por lo tanto, la historia comienza en el salón de los acusados, con los miembros más importantes de la iglesia presenciando a una Juana indefensa y vulnerable a los ataques que le darían a lo largo de su juicio. Se hace mucho énfasis en los primeros planos, para revelar mejor las expresiones de los personajes. Por un lado, están los que realmente desean salvar a Juana. Y eso se revela por sus expresiones de preocupación y angustia. Las expresiones de Juana son de angustia, susto y, de vez en cuando, un poco de esperanza. Y están los inquisidores de expresión severa, todos ellos enfocados en contrapicada, como muestra de que ellos están por encima de la ley y que son ellos los que deciden el destino de la acusada. Un paso en falso y ellos la mandarían a ejecutar de inmediato.

Existen ciertos elementos que nos hacen recordar a la Pasión de Cristo, por ejemplo cuando llevan a Juana y le hacen preguntas capciosas, o cuando un grupo de clérigos le colocan una corona y un cetro y se burlan de ella dándole alabanzas irónicas y escupiéndole en la cara. Y también está la parte en que la trasladan hasta el sitio donde terminaría su vida, ante una multitud. Y un detalle que nos recuerda a la crucifixión: el pilar donde amarrarían a Juana para quemarla tenía un letrero, así como colocaron uno en la cruz de Cristo.

Los momentos de mayor clímax narrativo y visual serían aquellos en que Juana pareciera acceder a los pedidos de los inquisidores para salvar su vida. Cerca del final, logran que ella firme un documento que la salvaría de la hoguera, pero la condenaría a una cadena perpetua. Por sus expresiones se puede ver aquel temor a la muerte propio de todo ser vivo, así como también susto por su destino y un poco de esperanza de que se salvaría, si no en vida, tal vez en muerte. En cuanto a la música, si bien es una música agregada luego de su recuperación, igual acentúa aún más el clímax del juicio y los giros en que se dan a lo largo de la trama, el cual se da más énfasis en las expresiones y los movimientos por ser una película sin sonidos.

Esta película ha hecho muy bien su trabajo, en especial por los enfoques de los primeros planos y por el uso de unos pocos elementos que más bien sirven para ubicar al espectador en el lugar, espacio y tiempo en que se desarrolla la historia.

Joseph Beuys (1921 – 1986)

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Fue un artista alemán que trabajó con varios medios y técnicas como escultura, performance, happening, vídeo e instalación y perteneció al grupo fluxus.

Beuys afirmaba que combatió como piloto de la Luftwaffe en la Segunda Guerra Mundial. El 16 de marzo de 1944 su Stuka se estrelló cerca de la aldea Známenka del Raión de Krasnohvardiiske de Crimea. A punto de morir congelado, unos nativos tártaros lo rescataron y lo envolvieron con grasa y fieltro para evitar su muerte. En cualquier caso, ambos elementos aparecerán constantemente en su obra.

De 1946 a 1951 estudió en la Escuela de Bellas Artes de Düsseldorf, donde más tarde fue profesor de escultura.

En 1962 comenzó sus actividades con el movimiento neodadá Fluxus, del que llegó a ser el miembro más significativo y famoso. Su mayor logro fue la socialización que consiguió hacer del arte, acercándolo a todos los tipos de público.

Obras de arte

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Cómo explicar los cuadros a una liebre muerta, 1965. Galería Schmela, Düsseldorf.

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Me gusta América y a América le gusto yo (Coyote) 1974,  Estados Unidos.

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Fin del arte del siglo XX, 1982. Instalación en la Bienal de Venecia 2001.

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Joseph_Beuys

Arte conceptual

El arte conceptual es aquel en el que prevalece la idea sobre la realización artística, es decir,  la característica principal de esta corriente es el predominio de los elementos conceptuales sobre los puramente formales. Así pues, el arte conceptual se puede definir como una forma de expresión que intenta evitar el estímulo óptico a favor de los procesos intelectuales que el público es invitado a compartir con el artista. Para ello, esta disciplina artística se fija en los ambientes cromáticos, en los luminosos, y en las variaciones sobre la naturaleza.

Antecedentes

Aunque el arte conceptual se desarrolló en la década del setenta, podemos encontrar sus orígenes en las obras de Marcel Duchamp, quien ya afirmaba que el concepto era más importante que el objeto en sí. También tienes sus antecedentes en el dadaísmo (el primer movimiento que desmitificó completamente el arte) y el minimalismo.

Manifestaciones

Body art: Es donde se usa el cuerpo como manifestación artística, ya sea con tatuajes o pintura o cualquier intervención que tenga que ver con el cuerpo.

Arte póvera: proviene del italiano “arte pobre”. Los artistas utilizan materiales considerados “pobres” o de fácil obtención, como madera, rocas, telas, carbón o materiales de desecho.

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Land art: es una corriente artística en la que se utilizan los elementos de la naturaleza o se interviene un ambiente natural.

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Instalación: la instalación incorpora cualquier medio para crear una experiencia visceral o conceptual en un ambiente determinado.

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Happenings: Es la interacción tanto del público como del artista, en el cual se puede combinar el teatro, las intervenciones y la música.

Fluxus: Es un movimiento artístico que se desarrolló entre los sesenta y setenta, el cual se declaró contra el objeto artístico como mercancía y se declaró a sí mismo como antiarte.

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Fuentes bibliográficas: 

http://www.artelista.com/arte-conceptual.html

http://queaprendemoshoy.com/%C2%BFque-es-el-arte-conceptual/