El matrimonio en Roma

El matrimonio en Roma era una ceremonia pública, pero se realizaba en el ámbito privado, con un amplio protocolo de ritos. Se desarrollaba en dos escenarios: la casa de la novia y el hogar del nuevo matrimonio en casa del esposo.

Los esponsales constituían un compromiso en el que se establecía la promesa de matrimonio con la aprobación de los familiares más próximos y capacitados en derecho para representar a los contrayentes. Ese consentimiento, preferiblemente paterno, estaba prescrito.

La alianza se sellaba mediante las arras, aunque poco a poco se fue imponiendo la costumbre del anillo de compromiso. Con frecuencia, el novio colocaba el anillo en el dedo anular de su futura esposa. Según Aphano, se elegía ese dedo porque posee un nervio que conduce directamente al corazón, “el órgano más importante del cuerpo”.

En la ceremonia de boda se unían los acuerdos de la alianza con los gestos personales de los contrayentes: se leían las capitulaciones matrimoniales pactadas ante diez testigos y se consignaban, en una tablilla, las “tabulae nupciales”. Luego, los novios declaraban aceptarlas y se procedía a la unión. La oficiaba la “pronuba”, una mujer que acompañaba a la novia en todo el ritual de iniciación que constituía la boda y que debía cumplir un requisito: haberse casado una sola vez. Esta mujer procedía entonces a unir las manos derechas de los novios tras su consentimiento, con lo que quedaba instituido el matrimonio.

Después, el sacerdote que había leído las entrañas del animal sacrificado hacía una plegaria invocando la protección divina para los esposos. Estos procedían luego a llevar a cabo su primera empresa matrimonial: el sacrificio de un buey y un cerdo. Con ello acababa la ceremonia y los asistentes felicitaban a los contrayentes, mientras se preparaba el banquete nupcial, que se prolongaría varias horas, y en el cual tendrían lugar bromas y chanzas jocosas.

Al llegar al nuevo hogar se oficiaban nuevos ritos de agregación y fecundidad: la recién casada ungía con manteca los goznes de la puerta, recabando una unión fértil y fecunda, tras lo cual la desposada mostraba la rueca y el huso que portaba, y el marido le hacía entrega de un copo de lana. A continuación ella colocaba un velo o un hilo de lana sobre la puerta como promesa de trabajo y dedicación al hogar. Por último pronunciaba la fórmula clásica de unión, fidelidad y también de obediencia: “Donde tú eres cayo, yo seré caya”.

Desde este momento ya podía penetrar en su nueva casa pero sin pisar el umbral, por lo que debía entrar en brazos de los invitados y ser recogida por el esposo. Éste la investía de sus poderes como señora del hogar entregándole agua y fuego, elementos que simbolizaban los principios opuestos que integraban el matrimonio. Éste se materializaba finalmente cuando los esposos compartían por primera vez el lecho conyugal en la noche de bodas y, por fín, la cortina se corría.

Ernst Ludwig Kirchner

Ernst Ludwig Kirchner (Aschaffenburg, Alemania, 6 de mayo de 1880 – Frauenkirch en Suiza, 15 de junio de 1938), pintor expresionista. Fue uno de los cuatro estudiantes de la Escuela técnica superior de Dresde que fundaron el grupo expresionista Die Brücke en 1905. El Kirchner Museum Davos posee la mayor colección mundial de su obra.

En 1903 Kirchner estuvo en Múnich para estudiar pintura en la Escuela de Bellas Artes. En 1905 fundó con otros estudiantes el grupo Die Brücke (El puente) que pretendía crear un estilo plano con colores puros, inspirado en el arte primitivo y el fauvismo francés. Este grupo y Der Blaue Reiter formaron la segunda oleada expresionista.

Los rasgos más distintivos de este grupo son: el color antinatural, cálido, subjetivo y fulgurante; las formas más bien planas, con poco interés por los volúmenes y la perspectiva, que se violenta en escorzos imposibles; uso de contornos trazados con líneas gruesas, como incisiones en madera. Fueron estos artistas los que recuperaron la técnica de la xilografía, de origen medieval. Los temas son generalmente escabrosos, en sintonía con la forma expresiva de mostrarlos: prostitución, locales nocturnos de dudosa reputación, calles angostas con personajes trajeados…

Kirchner siguió viviendo en Dresde hasta 1911. Después se marchó a Berlín, donde supo reflejar la agitación y el movimiento de una gran ciudad moderna. Se interesó por el mundo de la prostitución callejera; un ejemplo destacado Prostituta en rojo se halla en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.

En 1914 con el estallido de la Primera Guerra Mundial, fue movilizado, pero sufre una grave crisis nerviosa. Al retornar de la guerra, en 1915, su situación mental no mejoró y su salud se resintió más tras sufrir un atropello. Tuvo que optar por la tranquilidad de Davos (Suiza), donde siguió pintando, en su mayor parte, paisajes más tranquilos, y menos estimados por la crítica actual.

En 1937, en plena ascensión del nazismo, su arte se calificó de arte degenerado y se destruyeron muchos de sus trabajos. Su precaria situación emocional empeoró a raíz de ello y se suicidó en Frauenkirch, cerca de Davos, en 1938.

¿Existió realmente Sherlock Holmes?

Durante años, la oficina de correos de Londres ha recibido millares de cartas dirigidas a Mr. Sherlock Holmes, 221 bis de Baker Street. Las misivas, que nunca han sido devueltas, incluyen peticiones de consejo, ofertas de trabajo detectivesco y enigmas que exigen una resolución. Todas ellas dan muestra de una notable afición a las novelas de Conan Doyle e incluso la convicción de que Holmes fue un personaje real. Sin embargo, ¿Existió realmente Sherlock Holmes?

En realidad, Doyle se inspiró en una persona para crear al investigador más famoso de todos los tiempos. Esa persona se llamaba Joseph Bell y era médico. Destacaba como un cirujano habilidoso, el cual se bastaba con observar a un enfermo para desencadenar una torrente de deducciones. Arthur Conan Doyle fue uno de sus alumnos, con el cual simpatizó y lo escogió para que le ayudara a atender a los pacientes externos.

Doyle quedó admirado ante las dotes deductivas de Bell, pero con el paso de los años lo echó en el olvido. Sin embargo, luego de contraer matrimonio, experimentó un notable impulso creativo el cual lo llevó a crear un personaje que se convirtiera en protagonista de relatos detectivescos. Fue ahí cuando Doyle recordó a su antiguo profesor y decidió tomarlo como modelo directo de su nueva creación. Del recuerdo de la manera en que había asistido a Bell surgió también para Doyle la idea de crear a otro personaje, Watson, doctor como el propio escritor, que fuera dejando constancia de los logros de Holmes.

Ni Holmes ni Watson fueron personajes reales, pero los modelos en que se inspiraron no desmerecieron en absoluto de las creaciones literarias.

Extraído de: “Enigmas históricos al descubierto” de César Vidal. Biblioteca Muy Interesante, 2004.

El grabado y sus diversas técnicas

 

 

 

Definición de la palabra “grabado” y técnicas de grabado

La palabra “xilograbado” proviene del griego “xylon”, que significa “madera”, y “graphei”, que significa “escribir”. Por lo tanto, etimológicamente significa “escribir o rayar sobre la madera”.
Existen diversas técnicas relacionadas al grabado, dado que se puede realizar en diversas superficies. Éstas son las más conocidas.

Grabado en madera: Técnica en relieve (se traza con la gubia las líneas y lo que se ha cavado es lo que queda en blanco)

Grabado en metal: Técnica hueco grabado (Se pasa un lápiz de metal en la superficie. Las rayas son las que comió el ácido y en donde quedó la tinta).

Serigrafía: La tinta pasa a través de una tela y se usa otro tipo de prensa.

Litografía: Se usa especialmente el contraste entre la grasa y el agua o la tinta.

Tipos de matrices

Al hilo o a fibra: Consiste en seguir las vetas de un tablón o tabla de madera.

Dibujo

De cabeza-contra fibra: se usa un pedazo de árbol cortado en pan o de manera horizontal.

Dibujo1

No se graba el hilo igual que la cabeza. Se usan diferentes herramientas. El de contra fibra se puede usar el buril: herramienta en V sólida. Marca una raya muy fuerte.

Herramientas y superficie del grabado

Las herramientas usadas para el grabado son:

gubias y formones

Superficie: papel liso, sin textura. Son papeles sin aglutinantes. También puede servir de soporte ciertas telas, pero finas y con tramas cerradas. Prohibido el plástico, porque se quema con la tinta de grabado.

Tipos de grabado

Estos tipos de grabado están establecidos por la Cámara sindical de la estampa, el dibujo y el cuadro bajo el nombre de SAGA (antigua institución que reglamenta sobre presentación de grabados vigente desde 1918)

Grabado original: tiene que ser del artista, concebida y ejecutada por él mismo. Puede ser impresa por taller u otra persona.

Grabado de interpretación: Grabado hecho a partir de la pintura o el dibujo de un artista, de la mano de un artesano de grabado. Ambos llegan a un acuerdo para realizar dicha interpretación.

Grabado de reproducción: grabado que se hace sobre los grandes artistas. Reproducción autorizada por una institución o museo que compró la serie de los artistas.

Nomenclaturas

nomenclatura grabado dibujito

Solamente el grabado se firma con lápiz de papel

PE I (Nº romanos): se usa para copias sin lavar
PA (prueba de artista): constituye el 10% de la edición
PC 1 (números arábigos): prueba de color (por cada color tengo una prueba de color: PC 1 (A) PC 1 (B))
BT: Buena para imprimir.
PI: prueba del impresor.
HC: “Hors Commerce” (no comercial)
CM o PP: Matriz cancelada.
El grabador que no edita debe solo firmar su obra sin numerarla.

Ficha técnica

Nombre del grabado o sin nombre (S/N)

Nombre del artista (nombre verdadero) o incluyendo su seudónimo. Ejemplo: “Arete” Lucy Yegros

Tamaño (alto x ancho): se pone en cm. Ejemplo: 30 x 25 cm

Tamaño del papel (soporte): también se pone en cm (opcional)

Nº de edición o marcar con una raya si no tiene.

Técnica:
Xilografía (grabado en madera)
Aguafuerte (técnica mixta): si le agrego un grabado en metal.

Nombre de la obra – Nº de edición – Fecha – Tamaño

 

 

Crítica a la película “Roma, ciudad abierta” de Roberto Rosellini

Título original: Roma, città aperta

Año: 1945

Duración: 100 min.

País: Italia

Director: Roberto Rossellini

Guión: Federico Fellini, Sergio Amidei, Roberto Rossellini (Historia: Sergio Amidei & Alberto Consiglio)

Música: Renzo Rossellini

Fotografía: Ubaldo Arata (B&W)

Reparto: Anna Magnani, Aldo Fabrizi, Marcello Pagliero, Maria Michi, Harry Feist, Vito Annichiarico, Francesco Grandjacquet, Giovanna Galletti, Carla Rovere

Productora: Excelsa Films

Género: Drama. Bélico | II Guerra Mundial. Neorrealismo

 

La película se estrenó en 1945 bajo la dirección de Roberto Rosellini. Prohibida durante la época, esta película forma parte del neorrealismo italiano y está inspirada en la vida del sacerdote Luigi Morosini, torturado y asesinado por los nazis por ayudar a la resistencia. Como una película de su género, no posee ningún efecto especial y se usaron espacios reales para las filmaciones. Por lo tanto la hace completamente realista y dramática como sería su objetivo principal.

La película trata de un ingeniero comunista llamado Manfredi, quien es perseguido por las autoridades de la época y encuentra refugio gracias al sacerdote Pietro, quien protege a los partisanos. Manfredi es amigo de un tipógrafo llamado Francesco, quien se prepara para casarse con Pina, una mujer del pueblo. En el día de la boda, Francesco es arrestado y Pina corre tras él, lo cual hace que los soldados la asesinen, delante de su hijo pequeño. Francesco logra escapar y cuida del niño.

Manfredi y Francesco se ocultan en la casa de Marina, la amante de Manfredi que tiene la costumbre de drogarse con morfina. En una discusión, Marina decide traicionar a Manfredi y lo delata, por lo cual los soldados lo arrestan a él y al cura. A pesar de que sabían bien lo que le esperaban, ambos mantuvieron el silencio y se abstuvieron a las consecuencias.

Esta película fue de una temática muy actual para la época, dado que se estrenó un año después de terminar la guerra. Muestra todo lo que sufría el pueblo durante la ocupación, como los problemas económicos, las persecuciones, las torturas y, también, la vida cotidiana de los personajes quienes, aparte de la vida del sacerdote, también fueron inspirados en los que vivieron durante la época. Y como cabía esperar, la misma fue censurada y prohibida tanto en su país como en varios otros países. Por suerte, logró conservarse. Incluso, luego de recuperarla del olvido, se convirtió en una de las películas más características del cine italiano, tanto por la historia que los caracterízo en ese momento, como por su costumbre y los pensamientos de cada personaje porque, aunque todos vivían en el mismo sitio, cada uno mostraba una idea diferente de cómo percibían al mundo y a la vida en general.

El arte de la ilustración

La ilustración siempre se consideró como el arte de crear imágenes que acompañen al texto. Aquel término se originó desde la invención de la imprenta, donde las ilustraciones realizadas con la xilografía acompañaron a los escritos durante los siglos XV, XVI y XVII. Algunos grandes artistas que trabajaron la ilustración fueron Rembrant Van Rijn, Alberto Durero, entre otros. En el siglo XVIII aparecieron artistas como Eugene Delacroix y Gustave Doré, representantes de una época importante para el desarrollo cultural de ese siglo, donde aumentó considerablemente el número de publicaciones y, por ende, también se desarrollaron diversas técnicas de ilustraciones que acompañaban dichos textos.

El artista e ilustrador Samuel Araya señaló dos vertientes de la ilustración: el ilustrador que visualiza lo que el texto dice “literalmente” y el ilustrador que genera contenidos en base al texto. También cabe destacar que el problema que manifestó el ilustrador es que siempre se está trabajando para terceros, lo cual muchos lo colocan en la categoría del trabajo para diseño gráfico y no en la categoría de las artes visuales. En los párrafos siguientes, se tratará sobre cómo se transformó el arte de la ilustración, pasando por diversas técnicas, hasta llegar al ámbito digital.

Para Antonio Fernández Coca, profesor e ilustrador profesional, El arte de la ilustración es una disciplina que forma parte de un contexto global y que, en los últimos tiempos y con los avances tecnológicos, ha cobrado una gran importancia en el ámbito de la comunicación. Es cierto que la reproducción fiel y precisa de las imágenes constituyó la herramienta principal de transmisión cultural a través de los siglos, convirtiendo las ilustraciones en el instrumento primordial en el sustento de toda clase de conocimientos.

Gracias a los avances de la tecnología y las herramientas, se facilitaron el trabajo del ilustrador. Así, la xilografía fue reemplazada por la calcografía, el cual fue capaz de reproducir imágenes de buena calidad. Finalmente, la litografía consolidó su hegemonía como método de producción en los últimos siglos. En este ámbito, se podría citar a Toulouse Lautrec que, hasta el presente, constituye una fuente de inspiración para los artistas que hoy utilizan la computadora y otras herramientas para realizar sus trabajos.

Los artistas contemporáneos utilizan diversas técnicas artísticas para crear sus trabajos. Están los que usan la acuarela, tinta china y la pintura al óleo. Entre los que usan el óleo se encuentran Frank Frazetta y Vicente Segrelles. Frazetta, aparte del óleo, también utilizó otras técnicas como la acuarela y el grafito. Sus obras se encuentran en importantes Galerías de arte y son subastadas a un alto costo. Segrelles, en cambio, usó el óleo por muchos años, algo inusual en el ámbito de la ilustración debido a la lentitud del secado de la pintura. Sin embargo, en los últimos años, recurrió a la tecnología para perfeccionar su estilo, convirtiéndose así en uno de los referentes de la ilustración digital.

Otros artistas que usaron diversas técnicas y trabajaron en varios ámbitos fueron BurneHogarth, DaveMcKean, Julie Bell, Boris Vallejo y Esteban Maroto. Casi todos ellos se volcaron en la creación de los cómics y en el diseño de portadas de libros y revistas. Hogarth, famoso por diseñar el personaje de Tarzán, fue reconocido por retratar el cuerpo humano en movimiento con mucha precisión y también es un gran referente para todos los estudiantes que deseen dedicarse a la ilustración. DaveMcKean, al igual que Segrelles, también experimentó con la tecnología con el objetivo de aumentar su creatividad y perfeccionar en su talento artístico. Julie Bell y Boris Vallejo son una pareja, que trabajan con la tinta y la pintura para crear personajes mitológicos y fantásticos. Y Esteban Maroto, al igual que los ilustradores contemporáneos citados, también trabajó en el ámbito de la fantasía y diseñó portadas de libros, revistas e historietas.

Entre las técnicas modernas de ilustración se encuentra el fotomontaje. El fotomontaje también es considerado una especie de collage, dado que se pasa por el mismo procedimiento de cortar y pegar, superponer las imágenes y realizar retoques hasta llegar al resultado final. Algunos artistas contemporáneos utilizan dicha técnica, como Edward Hill, un fotógrafo paisajista quien retoca sus fotos para crear paisajes multi-direccionales.

Es indudable que la tecnología digital aportó una serie de características comunes a todos los medios tradicionales de producción de imágenes, mostrando una realidad alejada del concepto revolucionario que a primera vista pudiera desprender. La ilustración digital cumpliría con la misma función de crear imágenes que grafiquen los textos, solo que las obras son creadas desde una computadora, usando programas informáticos manipulando el mouse o la tableta.

Aún así, a pesar de que se base en propuestas planteadas por las otras artes, su naturaleza también las separa de todas ellas, generando una reinterpretación de las formas artísticas tradicionales. Por lo tanto, se podría decir que la ilustración digital se convirtió en una forma de arte emergente que utiliza tanto las técnicas de la pintura tradicional como la aplicación de las herramientas digitales.