Las esferas de la sociedad

En una sociedad existen diversas esferas que la conforman, ya sea en el ámbito religioso o político. Esas esferas son las que definen o intentan esclarecer qué puede ser considerado arte. Y esto varía de acuerdo a las épocas.

En la prehistoria, incluso en la antigüedad, el arte estaba fuertemente ligado a la religión de una sociedad. El arte debía servir para rendirle culto a los dioses o espíritus de la naturaleza. Y como era colectivo, no existía un artista definido. Los sacerdotes o emperadores eran los que establecían qué podía considerarse arte.

Con el paso de los siglos, el arte formó parte de la política. Los artistas empezaron a realizar sus obras por medio de mecenas, algo que les permitió formar su propia identidad y pintar temas políticos y religiosos, pero todos bajo una firma.

En el modernismo, en cambio, ocurrió una diferenciación de las esferas. El arte ya no debía servir a la religión o a la política. Empezaron a aparecer temáticas de denuncia social, así como también una fuerte influencia de la naturaleza, como es el caso de los románticos. El artista debía realizar sus obras por gusto, no para satisfacer a un grupo dominante.

En la actualidad se puede ver que existe una mezcla de esferas. Por un lado, están los artistas que realizan sus obras de arte con el objetivo de comunicar sus ideas o acciones. Y están los que realizan sus obras para una empresa. Y están los que realizan con un motivo político, religioso o social. Ya no existe una, sino varias interpretaciones del arte y cuál debería ser su funcionalidad para la sociedad.

Aquí se podría encontrar dos vertientes en las esferas sociales: está el moderno y el pre moderno. En el ámbito moderno el objetivo es diferenciar las esferas, mientras que en el pre moderno se destaca la religiosidad popular y, el cual, se aprecia como algo primitivo en el ámbito posmoderno.

Por lo tanto, cabría preguntar: ¿Quiénes son los que definen lo que es arte? ¿Para quiénes trabajan los artistas? Hay varias corrientes, pero las que más destacan son las empresas publicitarias. Cada día son más las que contratan a los artistas para realizar sus publicidades. Por lo tanto, no es de extrañar que veamos la perfección en un afiche, el aprecio estético en una marca de perfume o, incluso, podamos determinar lo que costó elaborar un video publicitario hecho con animación.

Están, por supuesto, los artistas que se dedican a realizar instalaciones o video artes para presentarlos en las bienales o muestras artísticas. Son artistas que desean alejarse de lo puramente comercial, pero al final se meten en un sistema que les impide realizar “arte académico”. Un artista que se respete jamás debería realizar un dibujo artístico, o pintar un cuadro realista, llevando a cabo toda técnica para alcanzar la perfección. Si el artista en cuestión no realiza una instalación, video arte o performance, entonces no se le considera una persona creativa.

Muchos artistas que se dedicaron al video arte, por ejemplo, terminaron realizando el temido “arte comercial”, esto es pintar cuadros de ciertas temáticas para venderlos en las galerías o trabajar para empresas publicitarias para realizar el video de una marca de ropa o zapatos. Incluso, los que realizaron intervenciones artísticas, fueron tomados por empresas para que dichas intervenciones sean usadas con motivos publicitarios.

Todo lo que antes podría ser considerado novedoso o aberrante, ahora se considera comercial o común. Antes la pintura era considerada un gran arte, que superaba a todas las demás artes. Hoy se usa una pintura con motivos decorativos. Incluso son muchos los que argumentan que el arte se encuentra en el video arte, en las películas y en los audiovisuales. Es increíble cómo avanzó la tecnología para crear seres extraños y, prácticamente, reales. Hace poco lanzaron una publicidad de una bebida alcohólica, en la que usaron a un actor que falleció hacia años. No usaron fragmentos de sus películas. Prácticamente, recrearon al actor con un programa informático. Pero, al ver tal publicidad, nadie creerá que es una ilusión digital. Incluso, en algunas películas como “avatar” o “Life of Pi”, se usaron programas informáticos para recrear escenas y personajes.

A pesar de todo, no se puede negar que estemos en una sociedad contradictoria. Por un lado, están los que siguen aferrándose a la idea de que un artista debe saber pintar. Por otro, están los que usan la tecnología para realizar sus obras. Y así como también están los artistas que realizan instalaciones y se alejan de lo comercial, están los que son contratados por empresas privadas para realizar un spot publicitario. El problema es que uno cree que es libre, pero siempre trabaja bajo el mando de una institución, de un mandatario. Sea lo que sea. Lo que se debe hacer es estudiar estos casos, que el artista sepa bien lo que está haciendo y si realmente desea hacerlo.

Las esferas existieron siempre, ya desde que un grupo de humanos decidieron unirse y elegir a un líder que los guíe. Así como también siempre existió el arte, el cual nunca muere, a pesar de las catastróficas predicciones de algunos críticos de arte. Por lo tanto, para concluir este ensayo, solo queda decir una cosa al respecto: “el arte no se crea ni se destruye, solo se transforma”.

El Prerrafaelismo

El movimiento prerrafaelista fue fundado en 1848 en Londres por John Everett Millais, Dante Gabriel Rosetti y William Holman Hunt. Desde su profeta Ruskin hasta el último de sus discípulos fueron favorecidos por el éxito y la fortuna.

Expusieron sus obras en Londres en 1849. Todos sus cuadros y estatuas, de una idealidad impresionante y exótica, llevaban al lado de la firma las iniciales PRB (Pre Raphaelite Brotherhood) y provocaron tal escándalo en la crítica oficial que la Orden fracasó. Otros prerrafaelistas son Dyee, Hook, Hughes, Collins, Mac Callum y Gilbert Hamerton.

Ante todo, hay que distinguir tres campos de investigación diferente: el del prerrafaelismo inglés, el de los prerrafaelistas independientes y el de los llamados “primitivos”, los cuales representaban a los maestros anteriores a Rafael, inspiradores del movimiento actual.

Se unieron estos artistas, aún siendo de cualidades y temperamentos diferentes, en un ideal común: el de la propaganda de un arte “idealista por su esencia” y hondamente “realista por su procedimiento”, arte vigorizado especialmente por una ética y un fin elevado.

Por esta faceta de la moralización esencial, tal arte encontró apoyo en las predicaciones de Ruskin y, por su idealidad íntima y su realidad técnica, se apoyó en las obras de pintores trecentistas y cuatrocentistas.

He aquí 20 motivos por los cuales es importante iniciar a nuestros hijos en el camino del arte desde pequeños:

1.  El arte estimula ambos lados del cerebro y todas las áreas del desarrollo- intelectual, social, emocional, motor, y de lenguaje – de los niños.

2.  El 33% de los niños son aprendices visuales  y  la música introduce a los niños a los sonidos y a los significados de las palabras.

3.  Hay varios estudios científicos que demuestran que los niños que hacen arte leen mejor y sacan mejores notas en matemáticas y ciencias que los que no fueron incentivados en ninguna rama artística.

4.  Los niños aprenden usando sus sentidos y el arte es ideal en este proceso.

5.  Los niños necesitan un lugar en la escuela para expresarse y el arte es el mejor medio y recurso para ello. Los niños se benefician manifestando sus experiencias, positivas y negativas, pasadas y futuras, por medio del mismo.

6.  El arte promueve la autoestima y brinda una oportunidad para que los niños se relacionen con otros alegremente.

7.  El arte estimula a los niños a prestar más atención al espacio físico que los rodea.

8.  El arte desarrolla la coordinación entre los ojos y las manos (coordinación viso-motora).

9.  El arte estimula el desarrollo perceptivo. La música, por ejemplo, aparte de enseñarles acerca de escuchar y apreciar melodías y ritmos, favorece el cultivo de la memoria, la representación de acontecimientos, la descarga de emociones y el desarrollo de las destrezas motoras que se requieren al cantar, bailar o tocar algún instrumento.

10.  El arte enseña a pensar dejando finales abiertos. Representa una cultura de preguntas más que una cultura de respuestas.

11.  El arte enseña que puede haber más de una solución para un problema. Participar en actividades artísticas ayuda a los niños a respetar otras maneras de pensar, a la vez que les da herramientas para resolver sus propios problemas y para comunicar sus pensamientos e ideas en diferentes formas.

12.  El arte enseña a los niños a pensar creativamente para resolver problemas. Incentiva la creatividad, la innovación y la curiosidad.

13.  Los niños pueden compartir y reflexionar acerca de sus trabajos de arte y aprender algo sobre sí mismos y el mundo en el que viven.

14.  Cuando el arte está integrado a otras materias del programa escolar los niños se comprometen más en el proceso de aprendizaje.

15.  En el proceso de hacer arte el niño está expuesto a diferentes posibilidades, al descubrimiento, la creación, la innovación y a la libertad. De esta manera se evita caer en el control y predictibililidad de la educación convencional universalista.

16.  El arte nutre el alma humana. Se siente bien haciéndolo. Da placer y relaja.

17.  El arte trae los recursos culturales de la comunidad dentro de la clase. Fortalece el vínculo con las raíces familiares y culturales del niño.

18.  El arte involucra a padres y tutores en la escuela invitándolos a participar como voluntarios en diversas actividades.

19.  El arte proporciona un medio, un piso en común, para atravesar estereotipos raciales, barreras y prejuicios.

20.  El arte es valioso por sí mismo ya que facilita la expresión de  pensamientos y sentimientos, y permite  a los niños manifestar su creatividad, desde pequeñitos y a lo largo de todas sus vidas.

Fuente: http://www.sitiodebebes.com/ninos/20-razones-para-iniciar-ninos-arte/

Educación por el arte

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La finalidad del arte en la educación, que debería ser idéntica a la finalidad de la educación misma, considera que la educación padeció una tendencia no conveniente hacia el pensamiento lógico, el que es incapaz de la actividad imaginativa y pensamiento sensorial.

Heard no hacía distinciones entre la ciencia y el arte, salvo como métodos. Para él, la oposición entre ambas en el pasado se debió a una concepción limitada de ambas actividades. Mientras que el arte es representación, la ciencia es la explicación de una misma realidad.

El arte de los niños

Herbert Read se basó en varias teorías para desarrollar su estudio del arte de los niños. Entre ellas encontramos:

La teoría de Sully: se distinguen tres etapas del desarrollo en los niños: grabado sin objeto, diseño primitivo y figura humana
La teoría de Montesory: establece que el dibujo no debe enseñarse sino ser una actividad espontanea y libre del niño.
La teoría de Ciryl: existen siete etapas del desarrollo de los dibujos en los niños: Garabateo, Línea, Símbolo descriptivo, Realismo descriptivo, realismo visual, represión y despertar artístico.

El niño, desde el comienzo de la actividad plástica tiene dos estilos: uno que trata para satisfacer sus propias necesidades y otro para satisfacer las necesidades de los demás.

Se podría decir que tanto la teoría de Sully como la teoría de Ciryl son similares, solo que Ciryl detalló el desarrollo de la actividad artística del niño. A continuación, se hablará sobre las etapas citadas por ambos teóricos de la educación artística.

ETAPA DEL GARABATEO (1) ETAPA DEL GARABATEO

Etapa del garabateo y lineal: Esta clase de dibujos son comunes en niños de dos a cuatro años. Primero son trazos indefinidos, para luego pasar a adquirir formas. También entra en la categoría de “grabado sin objetivo”, aunque eso se aplica más a niños de dos a tres años. Y aún así eso se desmiente cuando el niño le pone nombre a su garabato.

SIMBOLO DESCRIPTIVO SIMBOLO DESCRIPTIVO (2) SIMBOLO DESCRIPTIVO (1)

Símbolo descriptivo: Se ve en niños de cinco a seis años. Ya realizan figuras definidas, aunque aún se ven figuras toscas, sin proporción alguna. También entraría en la categoría de “figura primitiva”, aunque esto varía de acuerdo a cada niño, ya sea por sus motivaciones o por su forma de ser.

REALISMO DESCRIPTIVO Y VISUAL REALISMO DESCRIPTIVO Y VISUAL (3) REALISMO DESCRIPTIVO Y VISUAL (2) REALISMO DESCRIPTIVO Y VISUAL (1)

Realismo descriptivo y visual: Se ve a la edad de siete a diez años. Aquí ya representan ideas, vivencias e historias. Es aquí donde se aprecia la imaginación del niño y lo que puede detectar de su entorno. Se ve un gran interés por la “figura humana” y hasta es capaz de representarlo de varias formas y en diferentes posiciones.

REPRESIÓN Y DESPERTAR ARTÍSTICO REPRESIÓN Y DESPERTAR ARTÍSTICO (1)

Represión y despertar artístico: Después de los diez años, algunos niños se reprimen y hasta pierden el interés por el arte. Pero eso se puede revertir más adelante, lo cual genera un despertar artístico y normalmente se manifiesta desde los quince años. Algunos sienten interés por reproducir figuras conocidas (sean estos de animaciones o actores de cine) y otros prefieren buscar su propio estilo.

Más consideraciones

El dibujo es una de las primeras experiencias creativas que tienen los niños. Cuando toman un lápiz, trazan unas líneas sobre el papel y examinan su dibujo, ellos saben que tienen el poder de producir esas líneas y manchas de color.

Es importante que los niños comprendan que ellos poseen la capacidad interna de crear y que esta cualidad les ofrece un potencial ilimitado para inspirarse y jugar. No necesitan que se les enseñe todo, dado que la creatividad es un lugar sin límites.

El arte enseña que puede haber más de una solución para un problema. Participar de actividades artísticas ayuda a los niños a respetar otras maneras de pensar, a la vez que les da herramientas para resolver sus propios problemas y para comunicar sus pensamientos en diferentes formas.

Línea del tiempo de la historia del arte del siglo XX

arte del siglo XX

Línea detallada del tiempo de historia del arte del siglo XX

1905: En Alemania, los pintores Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel y Karl Schimdt – Rottluff fundaron un grupo denominado Die Brücke (El puente)
Primera exposición fauvista en la sala VII del Salón de Otoño, donde expusieron André Derain, Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy, Georges Braque, Henri Manguin, Albert Marquet y Henri Matisse. El término fauves se usó de forma despectiva, por lo tanto nunca fue aceptado por los propios pintores.

1905 – 1906: Primera etapa fauvista, denominada “El fauvismo de la técnica mixta”, que se caracterizaba por la síntesis entre el divisionismo de Georfes Seurat y la arbitrariedad de las áreas cromáticas de Vincent Van Gogh.

1906 – 1907: Segunda etapa fauvista, denominada “El fauvismo del color plano”, influida por Gauguin y donde ya se apreciaba una madurez cromática y formal.

1907: El cubismo fue desarrollado por Georges Braque y Pablo Picasso.

1908: se disuelve el grupo fauvista, aunque todos mantuvieron en su obra la constante del colorido como elemento expresivo de la pintura.

1909: El poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti recopiló y publicó los principios del Futurismo.

1910: el crítico británico Roger Fry acuñó el término “Postimpresionismo”, con motivo de la exposición celebrada en Londres de pinturas de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent Van Gogh. También se incluyen en esta corriente Henri de Toulouse-Lautrec y Georges Seurat.
Los artistas italianos Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Gino Severini firmaron el “Manifiesto del Futurismo”

1912: Die Brücke expusieron sus cuadros junto a un grupo de Munich llamado Der Blaue Reiter (El jinete azul), conformados por Franz Marc, August Macke, Paul Klee y Wassily Kandinsky.
Gino Severini presenta el “Jeroglífico dinámico de Bal Tabarin”, intentando captar la sensación de movimiento superponiendo acciones consecutivas.

1913: Die Brücke se disuelve.
El constructivismo es fundado por el escultor y pintor ruso Vladímir Tatlin.
el término “Constructivismo” fue empleado por primera vez por el crítico e historiador del arte ruso Nikolai Punin, haciendo referencia a la construcción de esculturas abstractas partiendo de una gran variedad de materiales industriales, como metal, alambre y trozos de plástico

1914: COMIENZA LA PRIMERA GUERRA MUNDIAL
El cubismo llega a su máximo apogeo.
se presentaron los primeros dibujos sobre una ciudad moderna de Antonio Sant’Elia y Mario Chiattone. Sant’Elia presentó ese mismo año su “Manifiesto de la arquitectura futurista”, un proyecto utópico que cristalizó en las imágenes de la Ciudad Nueva.
En mayo, Tatlin mostró en su taller moscovita sus primeros relieves polimateriales, que él llamó composiciones sintético – estáticas.

1915: En diciembre, Tatlin participó en la “última exposición Futurista 0.10”, donde presentó 13 nuevos relieves que se consideran como objetos artísticos.
aunque ya se disolvió el movimiento futurista, algunos de sus representantes, como Marinetti y Sant’Elia, se enrolaron en un batallón de voluntarios, de acuerdo con el punto nueve de su decálogo fundacional, donde se ensalzaba la guerra como la única higiene del mundo. Algunos murieron y los demás radicalizaron sus posiciones.

1916: el movimiento Dadá es fundado por Tzara, el escritor alemán Hugo Ball, el artista alsaciano Jean Arp y otros intelectuales que vivían en Zurich (Suiza).

1917: Piet Mondrian crea el Neoplasticismo, con el objetivo de llegar a la esencia a través de un lenguaje plástico objetivo y, como consecuencia, universal.

1918: FIN DE LA PRIMERA GUERRA MUNDIAL.

1919: el movimiento fascista gana las elecciones y asume el poder.
surge el conflicto entre el constructivismo y el suprematismo que lideraba Maliévich, tras la exposición “Creación no objetiva y suprematismo”.

1920: Gabo y Pervsner publicaron en Moscú “El Manifiesto realista”, de inspiración futurista, donde se exponen los principios teóricos de la nueva plástica.

1921: En noviembre, 25 pintores moscovitas lanzaron una declaración en la que proponían abandonar las formas puras para dedicarse a la producción de modelos de objetos utilitarios.

1922: se disuelve el Dadaísmo y algunos de sus miembros se convirtieron en figuras destacadas de otros movimientos artísticos modernos, especialmente del surrealismo.

1924: el alemán Max Ernst, el francés Jean Arp y el fotógrafo estadounidense Man Ray se incluyen entre los miembros del movimiento Surrealista.

1925: artistas como André Masson y Joan Miró se desligaron del grupo surrealista.

1930: Salvador Dalí se asoció al grupo, pero después fue acusado de estar más interesado en la comercialización de su arte que en las ideas del movimiento. A pesar de todo, es el más representativo del surrealismo.

1935: Jackson Pollock trabaja para la WPA (Washington Project for the Arts) hasta el 1943 y pintó bajo la influencia de Picasso, el surrealismo y el psicoanálisis jungiano que usó como terapia contra su alcoholismo

1939: COMIENZA LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL

1940: surge el expresionismo abstracto

1942: la coleccionista Peggy Guggenheim fundó su galería de arte llamada Arts of this Century. Jackson Pollock y Mark Rothko expusieron en su galería

1943: un gran número de pintores e intelectuales abandonan Europa y se trasladan a Estados Unidos, alejándose del fantasma del nazismo.

1945: FIN DE LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL
Surge el informalismo, movimiento pictórico adoptó la abstracción lírica, opuesta a las tendencias más próximas al cubismo o al rigor geométrico del neoplasticismo o De Stijl.

1946: Willem de Kooning pintó abstracciones de figuras biomórficas, centrándose en la figura masculina.

1950: Willem de Kooning se dedica a crear “Mujeres”, la serie de obras más conocidas del artista.
surge el Pop art como una reacción contra el expresionismo abstracto, al que estos artistas consideraban demasiado intelectual y apartado de la realidad social.

1951: el crítico de arte Michel Tapié presentó en Francia varias exposiciones que fueron dando forma al nuevo movimiento artístico. Por un lado organizó la muestra Vehemencias confrontadas, en la que mezcló obras de artistas franceses, italianos, americanos y canadienses con el fin de ofrecer las tendencias extremas de la pintura no figurativa. Pocos meses después preparó la exposición Significantes de lo informal con obras de Jean Fautrier, Georges Mathieu, Jean-Paul Riopelle, Iaroslav Serpan, Marcel Michaux y Jean Dubuffet.

1952: John Cage realiza la obra “Theater piece Nº 1”, considerado el primer Happening de la historia.
el crítico Harold Rosenberg utilizó el término “action painting” al gesto de pintar espontáneamente, algo muy característico de los pintores expresionistas.
El crítico de arte francés Michel Tapié acuñó el término art autre (arte otro) en el libro homónimo, sobre el arte abstracto no geométrico.

1954: es adoptada la expresión del Arte Cinético para designar las obras de arte puestas en movimiento por el viento, los espectadores y/o un mecanismo motorizado.

1956: se presentó la primera obra destacada del pop art titulada: “¿Qué es lo que hace a los hogares de hoy día tan distintos, tan simpáticos?” de Richard Hamilton. Se puede apreciar descontextualización, incongruencia, provocación y buen humor.

1957: Christo se traslada a París y ahí empieza a pintar y realiza sus primeros “empaquetamientos” de pequeños objetos (botellas, sillas, revistas) que con el tiempo adquieren mayor tamaño y dimensiones que le harán internacionalmente famoso.

1958: en enero, Kaprow acuñó la expresión “Happening” al realizar la obra “18 Happenings in 6 parts”.

1960: Walter De Maria, uno de los exponentes más tempranos del minimalismo y del land art, realiza diversas intervenciones en la naturaleza.
el artista británico David Hockney pintó “Typhoo Tea”, una de las primeras pintuas que reprodujo la marca comercial de un producto.
Andy Warhol adoptó la técnica de la serigrafía, capaz de imprimir cientos de estampas idénticas de botellas de coca cola, latas de sopa Campbell y otros objetos representativos de la cultura consumista.

1961: el estadounidense Claes Oldenburg realizó la primera de sus estridentes esculturas de plástico en forma de hamburguesa y otras comidas rápidas. Roy Lichtenstein ampliaba el campo del Pop art con sus enormes pintoras al óleo imitando las viñetas del cómic.

1963: Surge el video arte en Estados Unidos.
Wolf Vostell, en Wuppertal (Alemania), en la Galeria Parnass presentó su primera obra que incorpora un televisor. En el mismo año Wolf Vostell presentó en la Galería Smollin de Nueva York su instalación 6 TV Dé-coll/age, que hoy forma parte de la colección del Museo Reina Sofía. Wolf Vostell es considerado el creador de la primera videocinta en 1963 con el título Sun in your head (El sol en tu cabeza).

1965: Joseph Kosuth, el máximo representante del arte conceptual, habla del “arte como idea”, lo cual subraya la ausencia de la materialidad física del objeto. Se hace famoso con su obra “Una y tres sillas”
Nam June Paik grabó desde un taxi las calles de Nueva York durante la visita del Papa Pablo VI con una finalidad estética para captar una realidad subjetiva, al margen de las funciones de grabación de la televisión.

1967: Richard Long inicia una serie de largos viajes a América del Norte, Europa, Japón, etc, durante los cuales dispone a cielo abierto piedras, palos, maderas y otros elementos a las que otorga formas geométricas simples, recurriendo a la fotografía como medio complementario de presentación.
El crítico y comisario de arte italiano Germano Celant acuñó el término “Arte póvera” para el catálogo de la exposición ‘Arte povera – Im Spazio’, intentando describir la tendencia de una nueva generación de artistas italianos de trabajar con materiales nada tradicionales.

1968: Walter De Maria alcanza gran fama al participar en una exposición individual en la Heiner Friedrich Gal. de Munich, al exponer una habitación completamente llena de tierra.

1969: En EE. UU., el italiano Vito Acconci llevó a cabo diversas performances. En la serie “Obras de calle” seguía en la calle a algunos transeúntes hasta que éstos entraban en un edificio. En otra performance defendía el carácter privado e introspectivo del trabajo del artista, mirándose a sí mismo ante un espejo y recogiendo la escena con una cámara de vídeo.

1970: el escultor estadounidense Robert Smithson construye la obra Spiral Jetty, que se considera la obra más importante del artista del Land art.
Se produce el desarrollo del Minimal Art
Dennis Oppenheim, tras iniciarse en la escultura, realizó algunas acciones en las que pretendía experimentar con su propio cuerpo formas escultóricas, o adaptarse a las características de un paisaje, como en Stress paralelo.
Bruce Nauman realizó la conocida performance Autorretrato como fuente, de la cual tomó fotografías y escenas en vídeo, en las que aparecía el artista lanzando agua por la boca.

1978: Hamish Fulton realiza su obra llamada Ringdom Gompa. En él se aprecia una relación privilegiada con la naturaleza, siendo en ellas el paseo componente esencial: basada en fotografías en blanco y negro, invitan al espectador a reconstruir el espacio, sirviéndose para ello de textos que dan a conocer diferentes datos, lo que contribuye a evocar el recorrido.

1979: Dennis Oppenheim, un reconocido artista del Land art, realiza una exposición individual llamada Kunsthalle de Basilea (1979)

1980: el arte posmoderno pasó a reflejarse en otras formas artísticas, como la pintura, la escultura, el videoarte, el cómic, el diseño, etc. Las primeras obras que vislumbraron esta tendencia fueron las de artistas que añadieron elementos populares a sus obras, como Richard Prince, o que realizaron diversas combinaciones de elementos, como Tim Rollins.

1995: Dennis Oppenheim realiza la exposición Kunstbunker Tumulka, Munich (1995) y, desde ahí, participó en la ediciones V y VI de la Documenta de Kassel.
Vuk Cosic, recibió un correo electrónico anónimo, que debido a una incompatibilidad de software era ilegible. Cosik trabajaba en ese momento en el mundo del arte en la red y pensó que era un nombre perfecto para las actividades en las que estaba involucrado: de esta manera habría nacido el término que luego se convirtió en toda una cultura con infinidad de entradas en la red.