La maja desnuda – Goya

“La maja desnuda” es uno de los cuadros más famosos de Goya, dado que es una de las obras más polémicas que realizó durante su época. Mucho se especuló sobre la verdadera identidad de la modelo. Para algunos, es la Condesa de Alba, a quien también la retrató y de la que se decía que era su amante. Para otros, es el retrato de una cortesana. Lo que llamó la atención de muchos estudiosos fue la manera en que Goya retrató a esta mujer de cuerpo entero. En primer lugar, las dos manos están debajo de la cabeza, de manera a mostrar sus partes íntimas sin una pizca de vergüenza. También llama la atención la cabeza, que está en una extraña posición, lo cual da a suponer que fue pintada más adelante con la intención de ocultar la identidad de la modelo. La modelo se encuentra tendida entre unas sábanas de tonalidades blancas y verdes, donde se refleja unas pinceladas más cortas que su gemela “La maja vestida”. En ambos cuadros la modelo se encuentra en posición diagonal, coincidiendo con la luz que la ilumina por completo y rebota sobre las sábanas blancas. La diferencia radica en el uso de las pinceladas, en donde se puede ver mayor soltura en “La maja vestida”, así como también mayor sensualidad en la modelo dado que el vestido de la misma acentúa su cuerpo curvilíneo. “La maja vestida” se usaba para ocultar a “La maja desnuda”, lo cual solo era expuesta según la personalidad del espectador.

Hugo Pistilli, el poeta del metal

El artista más reconocido en el ámbito de la escultura paraguaya fue Hugo Pistilli, catalogado por muchos críticos como “El poeta del metal” por sus figuras llenas de sentimientos humanos hechos por pedazos de hierro fundido. Aunque experimentó otros tipos de arte, la escultura fue el que más lo ha caracterizado, tanto en vida como en muerte. En palabras de Pistilli, manifiesta su pensamiento de esta manera: “Por la ductilidad del hierro es que lo tengo como material favorito, pues manteniendo su fuerza de noble metal se completa con la espiritualidad que uno le imprime”

Breve reseña biográfica

Fue pintor y escultor, pero se destacó más por sus esculturas que por sus pinturas. Nació en Asunción el 18 de diciembre de 1940.

Inició su carrera artística en la Escuela de Bellas Artes, donde tiempo después se desempeñó como profesor de escultura. En 1970 hace su primera exposición y sus trabajos ya pasaron por los estadios de la escultura moderna.

El primero en llamarlo “El poeta de metal” fue José Luis Appleyard. Todo porque Pistilli logró, con unas frías barras de hierro, moldearlos en ágiles diseños, comúnmente líricos y llenos de sentimientos y emociones.

Con 33 exposiciones en el país, más un gran reconocimiento en el ámbito de la escultura moderna, Hugo Pistilli falleció en Asunción en el año 2006, dejando como legado sus obras de hierro, distribuidas en diferentes sitios del país. Un claro ejemplo de sus obras se encuentran en la Parroquia San Rafael, donde moldeó figuras de santos, ángeles y vírgenes de una manera muy original en comparación a otros artistas que trabajaron para las obras de distintas iglesias, parroquias y catedrales.

Esculturas de temática religiosas

Durante su carrera artística, Hugo Pistilli realizó diversas esculturas para espacios públicos. Las más conocidas son sus esculturas de temática religiosa, destinadas a iglesias católicas de Asunción.

Las más conocidas son “Salvador del mundo”, que se encuentra en una iglesia con el mismo nombre, y “Sagrario”, que está en la iglesia María Auxiliadora. Pero en donde realizó más trabajos fue en la Parroquia San Rafael, que son una colección escultórica hecha especialmente para portales y ventanales. A la entrada, tanto los creyentes como los no creyentes se quedan impresionados por el gran portal hecha con figuras de hierro de aproximadamente 3 x 4,80 metros, en donde son representados los tres arcángeles principales: San Miguel, San Gabriel y San Rafael.

Dentro de la parroquia se aprecian mejor los ventanales, donde son representados más ángeles, vírgenes, santos y algún que otro pasaje bíblico, todos con el mismo estilo característico de Pistilli. Por lo tanto, solo queda dar una vuelta por la zona para apreciar la obra de un artista brillante que, incluso después de su muerte, impresiona a muchas personas.

El arte paraguayo del siglo XX

Antecedentes del arte paraguayo

Comparado con otros países que desarrollaron nuevas manifestaciones de arte, el Paraguay de finales del siglo XIX y principios del XX no siguió ese mismo camino. Por mucho tiempo el arte paraguayo quedó estancado a causa de los problemas nacionales que padecía en esos momentos. Pero, a pesar de los problemas que tenía el país, igual tuvo sus representantes artísticos y, de alguna manera, fue desarrollando su propio estilo de arte.

El impresionismo en la década del 10

Dado que el país fue gravemente afectado por la Guerra de la Triple Alianza, su cultura es interrumpida bruscamente. La población masculina disminuyó, dejando a un centenar de mujeres y niños que a su pesar tuvieron que reconstruir el país. Con esto, se cortó el proceso de crecimiento de ciertas prácticas visuales que fueron desarrolladas durante la Colonia y el siglo XIX. Así, la cultura paraguaya pasa a depender de la rioplatense, que a su vez se veía influenciada por Francia e Italia. De esa forma, se incorpora en el arte paraguayo algunas técnicas del impresionismo traídas por los primeros becarios del Paraguay.

Manifestaciones artísticas de la década del 20

Los representantes de esta década fueron Julián de la Herrería (en el ámbito de la pintura y la cerámica) y Juan I. Sorazábal (en el ámbito del género caricaturesco). Ambos, a su manera, contribuyeron a la formación artística del país, trayendo nuevos planteamientos y nuevos estilos diferentes a los artistas de la década anterior.

Representantes principales de la década del 30

El crecimiento de las artes en esta década no proviene de un desarrollo propio del quehacer artístico sino que llega súbitamente del exterior. Aunque en esta década hubo importantes conmociones y cambios en la historia paraguaya (como la Guerra del Chaco y el cambio de gobierno liberal a colorado), el arte paraguayo aún seguía con las mismas formas de los primeros años del siglo XX. Sin embargo, en esta década, hubo tres representantes artísticos que contribuyeron al desarrollo de la cultura artística del país: Bestard, Bandurek y Guevara.

Década del 40 y los nuevos grupos de artistas

En esta década, el género fundamental sigue siendo el pictórico, aún en el ámbito naturalista. Sin embargo, empiezan a formarse nuevos elementos, mostrándose así una mayor preocupación por los aspectos formales y los temas dramáticos. La presencia de Bandurek y Bestard se afirman, junto con el surgimiento de nuevos artistas como Luis Toranzos, Edith Jiménez, Alicia Bravard, Montserrat Solé y otros. Con esto, se forman por primera vez artistas en el país. Algunos de ellos cobraron mayor importancia en la década siguiente.

Década del 50 y las nuevas concepciones artísticas

Al final de la primera mitad del siglo XX, sucedieron un montón de cambios sociopolíticos en el país y en el mundo. Con esto, el arte paraguayo va tomando un nuevo rumbo, tratando de alejarse del academicismo para ser influenciado por las nuevas corrientes latinoamericanas, especialmente del arte brasilero y la rioplatense. Con esto, se incorpora elementos de los movimientos europeos de comienzos del siglo, como el expresionismo y el cubismo. También se producen las primeras manifestaciones de escultura contemporánea y surge la xilografía.

El informalismo y las nuevas corrientes artísticas de los 60

Los años 60 fue una época de grandes cambios, ya sea en lo ideológico y en lo social. En casi toda Latinoamérica hubo una necesidad de “modernizarse” y de “estar al día”. Esto incluye también al Paraguay que, luego de un intento de modernizar el arte, empieza a profundizar conquistas iniciadas a finales de la primera mitad del siglo XX. En esta década, se realizaron las primeras experiencias abstractas y el arte ingenuo, dos corrientes artísticas que fueron consecuencia de la apertura lograda por las exposiciones del Grupo Arte Nuevo. Si bien, el grupo no logró un cambio masivo en el gusto artístico del público, sí alentó a la búsqueda y a las experiencias renovadoras.

La solidez artística y el boom económico de los 70

Con la construcción de una represa hidroeléctrica llamada ITAIPU (1975-7982), se genera un boom económico que abre posibilidades de mercado en todos los ámbitos. De esta manera, se promovió la profesionalización de los artistas, incrementándose la producción estética y la especialización técnica. Por lo tanto, en la década del 70, se vuelve a ajustar muchos de los dispersos elementos de la anterior y se buscan solucionar conflictos que se habían planteado en las mismas. Aparece un gran puñado de artistas que, si bien, algunos ya trabajaron en la década anterior, recién en esta década tuvieron mayor relevancia en el ámbito artístico. Así vuelven a afianzarse técnicas desarrolladas años atrás, como la pintura y el grabado. Pero también se afianzan otros estilos de arte no tan valorizados, como el dibujo y el grabado.

Década del 80 y los avances artísticos a finales de la dictadura

La década del ochenta fue una década muy significativa para el país. Por un lado, la dictadura stronista estaba en decadencia y ya se escuchaban los gritos de la libertad de expresión. Por otro lado, gracias al avance de la tecnología, los artistas desarrollaron nuevas formas de arte que aún no eran tan valorizadas en el Paraguay, pero que poco a poco encontraron un espacio para mostrarse como es debido. Por lo tanto, en la década del ochenta aparecieron nuevos artistas con nuevas formas de hacer arte, así como también los artistas de otras décadas siguieron con sus estilos o experimentaron con otros estilos artísticos. Pero, como en décadas anteriores, la pintura aún siguió siendo la preferida por una gran cantidad de artistas conocidos y nóveles.

Las nuevas formas contemporáneas de la década del 90.

Derrocada la dictadura militar en el año 1989, el Paraguay ingresaba al orden democrático; situación que inició todo un proceso de modificación y aggiornamento integral de lo político, lo social, lo cultural y lo económico a lo largo de la década finisecular y la primera del siglo XXI. En la última década del siglo XX, y a un paso del tercer milenio, el arte paraguayo dio grandes avances en comparación con décadas anteriores. De esta forma, fue acercándose poco a poco a los niveles expresivos que otros países ya habían desarrollado anteriormente.

La era digital, la globalización y el arte en la década del 2000

Después de que la mayoría de las personas hayan pasado el susto del fin del mundo, el arte tomó nuevas formas y también empezaron a valorarse las clásicas formas de generar arte. Y en el Paraguay ya empezaron a existir los institutos de arte, que empezaron a formarse poco a poco en la década anterior con la idea de formar la carrera de artes visuales. Por lo tanto, esta década se destaca por una repentina valoración hacia el arte paraguayo, gracias a las influencias de dichas instituciones como también por la influencia de los nuevos medios de comunicación como el Internet. Aparecieron nuevos artistas, se generaron diferentes concursos de arte y los artistas que trabajaron en décadas anteriores volvieron a presentar sus obras y a contribuir con el arte actual paraguayo.

Fuentes: 

Blinder, Olga; Escobar, Ticio; Plá, Josefina (1997) “Arte actual en el Paraguay 1900- 1995”Asunción, Ed. Don Bosco  

Colmán, R; Perez-Maricevich, F; Roldan, I; Sosa, C;   Ruiz Diaz, A (2010) “Historia Cultural del Paraguay 2º Parte” Asunción, Ed. El Lector

El color

Concepto de color

El color es una percepción visual que se genera en el cerebro al interpretar las señales nerviosas que le envían los fotorreceptores de la retina del ojo y que a su vez interpretan y distinguen las distintas longitudes de onda que captan de la parte visible del espectro electromagnético.

Es un fenómeno físicoquímico asociado a las innumerables combinaciones de la luz, relacionado con las diferentes longitudes de onda en la zona visible del espectro electromagnético, que perciben las personas y animales a través de los órganos de la visión, como una sensación que nos permite diferenciar los objetos con mayor precisión.

Todo cuerpo iluminado absorbe una parte de las ondas electromagnéticas y refleja las restantes. Las ondas reflejadas son captadas por el ojo e interpretadas en el cerebro como colores según las longitudes de ondas correspondientes. El ojo humano sólo percibe las longitudes de onda cuando la iluminación es abundante. A diferentes longitudes de onda captadas en el ojo corresponden distintos colores en el cerebro.

Con poca luz se ve en blanco y negro. En la denominada síntesis aditiva (comúnmente llamada “superposición de colores luz”) El color blanco resulta de la superposición de todos los colores, mientras que el negro es la ausencia de color. En la síntesis sustractiva (mezcla de pinturas, tintes, tintas y colorantes naturales para crear colores)El blanco solo se da bajo la ausencia de pigmentos y utilizando un soporte de ese color y El negro es resultado de la superposición de los colores Cian, magenta y amarillo.

La luz blanca puede ser descompuesta en todos los colores (espectro) por medio de un prisma. En la naturaleza esta descomposición da lugar al arco iris.

 

Definición de colores cálidos y fríos

Se llaman colores cálidos aquellos que van del rojo al amarillo y los colores fríos son los que van del azul al verde. Esta división de los colores en cálidos y fríos radica simplemente en la sensación y experiencia humana. La calidez y la frialdad atienden a sensaciones térmicas subjetivas.
Los colores, de alguna manera, nos pueden llegar a transmitir estas sensaciones. Un color frío y uno cálido se complementa, tal como ocurre con un color primario y uno compuesto.

Cierto personaje descubrió por casualidad los componentes de los colores más simples, así como un método rudimentario de pintura. Las ventajas y la belleza de los resultados enseguida resultaron evidentes para todos, por Edwin A. Abbott.

Escalas cromáticas y acromáticas

Cromática: Los valores del tono se obtienen mezclando los colores puros con el blanco o el negro, por lo que pueden perder fuerza cromática o luminosidad.

Acromática: Será siempre una escala de grises, una modulación continua del blanco al negro. La escala de grises se utiliza para establecer comparativamente tanto el valor de la luminosidad de los colores puros como el grado de claridad de las correspondientes gradaciones de este color puro. Por la comparación con la escala de grises (escala test), se pone de relieve las diferentes posiciones que alcanzan los diferentes colores puros en materia de luminosidad.

Colores luz: Síntesis aditivo

La luz blanca al descomponerse origina los siete colores del espectro visible: rojo, anaranjado, amarillo, verde, azul cian, azul y violeta. La  suma de todos los colores del espectro luminoso recompone la luz blanca. De la serie de colores que componen el espectro luminoso podemos diferenciar tres colores fundamentales o primarios. Ellos dan origen a los otros colores y son: rojo, verde y violeta. De las respectivas mezclas de estos colores derivan los llamados colores secundarioso complementarios, que son azul cian, rojo magenta y amarillo. De lo dicho más arriba podemos inferir que dos colores se llaman complementarios cuando combinados en una cierta proporción equitativa recomponen la luz blanca o, dicho de otro modo, un color es complementario de otro cuando para su mezcla no participa el color del que es complementario. Podemos decir también que es aquel color que dentro de una ordenación circular se encuentra en el radio opuesto; de ahí el nombre de colores opuestos. Por lo tanto, la relación de luces complementarias quedaría definida de la siguiente manera: rojo + cian; azul + amarillo; verde + magenta.

 

Colores pigmento: Síntesis sustractivo

Al utilizar colores pigmentarios, las mezclas que se hacen involucran un tipo distinto de síntesis: la sustractiva. A medida que incorporamos color materia, restituimos gradualmente el negro. De la misma forma que para el color luz existen tres colores fundamentales o primarios, también los hay en el caso del color pigmento y ellos  originan al resto de los colores. Se llaman primarios porque no pueden obtenerse por mezcla y son: el rojo magenta, el azul cian y el amarillo. Los colores secundarios, de igual forma que para el color luz, se obtienen de la mezcla de los primarios,  y son violeta, rojo bermellón y verde. El concepto de color complementario es el mismo utilizado para el color luz, con la diferencia de que la suma de dos colores complementarios u opuestos recomponen el negro. Las parejas de complementarios son las siguientes: rojo magenta + verde; azul cian + anaranjado; amarillo + violeta

Colores complementarios

 

Los colores complementarios son aquellos colores que, en el espectro circular, se encuentran justo uno frente al otro en un círculo cromático. De esta forma la denominación complementario depende en gran medida del modelo empleado. Se obtiene mediante la contraposición de un primario con un color secundario formado por los otros dos primarios. Así por regla general (en el sistema RYB), el complementario del color verde es el color rojo, el del azul es el naranja y del amarillo el violeta.

 

Grises cromáticos

 

En la escala de grises no figuran el negro y el blanco, porque la escala de grises proporciona comparaciones en claro y oscuro para diversos colores, y no hay ningún color tan oscuro como el negro y tan claro como el blanco. Al negro se le puede asignar el número 100% y al blanco 0%

Fuentes:

Zelanski, Paul y Fisher, Mary Pat (2001). Color. Madrid : Tursen SA/ M. Blume.

http://es.wikipedia.org/wiki/Color

http://es.wikipedia.org/wiki/Colores_complementarios

ALBERS, Josef. La interacción del color. Edit. Alianza Forma, Madrid, 1998.

HICKETHEIR, Alfred. El cubo de los colores. Edit. Noriega Limusa, México, 1991.

DE SANDOVAL Guerra, Álvaro. Manual de educación plástica y visual. Observar, interpretar, expresar. Ediciones Sandoval España, 2000.

http://www.correodelmaestro.com/anteriores/2002/noviembre/1anteaula78.htm Este artículo lo escribio Matías Echenique

http://www.fotonostra.com/grafico/escalascolores.htm

http://es.wikipedia.org/wiki/color

Zelanski, Paul y Fisher, Mary Pat (2001). Color. Madrid : Tursen SA/ M. Blume.

Küppers, Harald. Fundamentos de la teoría de los colores. Barcelona: Gustavo Gili SA.

Parramón, José María (1993). El gran libro del color. Barcelona: Parramón ediciones SA.

La sociología del arte

El  5% de la producción sociológica se origina en la sociología del arte. Hay dos señalamientos dentro del problema.  Por una parte, los criterios indeterminados, no es sencillo ponerse de acuerdo sobre que le pertenece y que no. Por otra parte, las apuestas fundamentales para la sociología general están muy próximas a las disciplinas tradicionalmente a cargo de su objeto, las ciencias sociales conexas a la sociología.
Sociología de los sociólogos del arte 
La primera pregunta que surge es: ¿Quiénes son los sociólogos  del arte? Existen dos tipos de repuesta: una histórica, su raza, y otra sociológica, de estatus profesional. Extrañamente, las mayores posibilidades de encontrarlos no están en la sociología, sino en la historia del arte o en la literatura y este  constituye un indicio vívido de la influencia del objeto sobre la disciplina. Mantiene vínculos estrechos con la historia, la estética, la filosofía e, incluso, la crítica de arte.
La sociología del arte produce  investigaciones y encuestas, este fenómeno no tiene más de una generación. La metodología que se utiliza es básicamente inventario y no se estudian obras sino la forma. Los privilegiados son el público, las instituciones, el financiamiento, los mercados, los productores, etc.
Finalmente, un tercer espacio es el de las instituciones de investigación, como institutos o fundaciones en el extranjero, el CNRS o la Escole des Hautes Etudes en Sciencies Sociales en Francia. La producción es variada y va desde el comentario  penetrante al análisis descriptivo ; esta sociología del arte esta relativamente liberada de las funciones de reglas (establecimiento del valor estético),muy presentes en las problemáticas universitarias, y de las ficciones de los expertos , determinantes en los servicios de estudio .
Esta disciplina, hasta la última generación, solamente se desarrollo en la universidad y, raramente, en los departamentos de sociología, cuando existían.
La especificación de la sociología 
La sociología del arte soporta simultáneamente su juventud y la combinación de sus significados, que reflejan la infinidad de las definiciones y de las prácticas de la sociología.
Además, el  encanto que con frecuencia ejerce su forma, y la abundancia y diversidad de los discursos que provoca, no ayudan de ningún modo a producir preguntas sobre sus planes, instrumentos y problemáticas.
El arte y la literatura son una buena esencia para la tradición humanista que querría convertir a un sociólogo del hombre honesto, una forma que da valor  por sí mismo , que le interesa a priori a cualquiera que esté familiarizado con los valores de la cultura.
Lo convierte en una forma malo para el sociólogo, por lo menos cuando este busca ante todo no “hablar de arte “sino hacer buena sociología que no se deshaga por la existencia propias sobre las cualidades de su objeto. Por eso nos parece absolutamente necesaria una clara especificación de lo que pertenece con propiedad a la sociología cuando se trata de la sociología del arte
La especificación de arte 
La cultura, esta palabra es excesivamente polisémica, especialmente a causa de su distancia entre el concepto francés, en general, centrada en la practicas referentes al arte, y al significado anglosajona , mas antropológica , ampliada a todo vinculado a las costumbres o a la cultura en una sociedad determinada .
Unos de los objetivos de la sociología del arte es estudiar los procesos por los cuales se opera este tipo de reconocimiento, con sus variaciones en el tiempo y en el espacio
El débil aporte de la sociología 
Emilie Durkheim abordó la cuestión del arte solamente al considerar que está compuesto un desplazamiento de la relación con la religión.
Max Weber  relacionaba las diferencias estilísticas con la historia de los procesos de racionalización y con los recursos técnicos. Planteaba las bases para una sociología de los instrumentos musicales.
George Simmel, en sus escritos sobre Rembrandt, Miguel Ángel y Rodin, intento poner en evidencia el condicionamiento social del arte. Se refería a la afinidad entre el gusto por la simetría y las formas de gobierno autoritarias o las sociedades socialistas, en tanto que las formas liberales del estado y el individualismo se asociarían mayormente la asimetría.
La obra de simmel se sitúa en el  término de la sociología académica. Tendencia recurrente que, cuanto más se acercan al arte , mas se alejan de la sociología para dirigirse hacia la historia del arte , disciplina dedicada desde hace mucho más tiempo a este forma, historia cultural del arte los primeros frutos de una sociología del arte que estaban dedicados al desarrollo de sus disciplina de  pertenencia , la historia y la historia del arte
Tres generaciones
Se pueden distinguir tres tendencias principales, que cruzan generaciones intelectuales, orígenes geográficos, afiliaciones disciplinares y principios conocedores.
Interesarse por el arte y la sociedad en relación con la estética tradicional, este constituye el momento fundador de la sociología del arte.
Esta preocupación por el vinculo entre arte y sociedad emergió simultáneamente en la estética y en la filosofía de la primera mitad del siglo XX, en la tradición marxista y en historiadores del arte extraños. En los momentos cercanos a la segunda guerra mundial, los investigadores adeptos a la investigación documentada se dedicaron a ubicar concretamente el arte en la sociedad: entre uno y otra no existía una exterioridad a la que habría que reducir o denunciar una relación de inclusión que había que volver explicita. La segunda  historia social del arte, permitió ocultar o duplicar la tradicional cuestión de los autores y de las obras por la de los contextos en los cuales ambos evolucionaron.
En los años sesenta la sociología de cuestionarios se desarrollo gracias a los métodos modernos de las estadísticas y de la etnometologia. Francia y los Estados Unidos fueron los primeros lugares en los que se inicio esta corriente y la universidad no tuvo un papel principal en su nacimiento. Cambio la  problemática : ya no se considera el arte y la sociedad, como lo hacían los teóricos de la primera generación ; ni siquiera el arte en la sociedad , como  historiadores de la segunda , sino mas bien el arte como sociedad, es decir el conjunto de las interacciones , de los actores, de las instituciones , de los objetos , que evolucionan conjuntamente para que exista lo que comúnmente , llamamos “arte”